Expresionismo

Si bien esta parte no estaba dentro de la lista de trabajos a evaluar lo quise hacer porque me gusta el tema del expresionismo y el cine mudo en general,dentro de la rama del cine mudo este movimiento tuvo mucha importancia.
Todos los vídeos de esta pequeña investigación los edite con programas básicos.

                  El nacimiento de una nación

                                                           d. w. griffith 1915

Aportes estéticos de  nacimiento de una nación

La figura de David Wark Griffith fue fundamental en la historia estética del Cine. Fue quien sentó las bases del "lenguaje cinematográfico" que hoy identificamos con el llamado "cine clásico".

Reconocido por ser el primero en lograr provocar el suspenso en sus películas, mostrando un especial interés hacia la reproducción de melodramas históricos.

La dirección de Griffith abandonó el plano fijo, alejándose del estilo que ejercían otros directores como Melies, y se convirtió en un observador curioso que perseguía la acción.
Surgieron movimientos de travelling y las imágenes panorámicas. Tomaba la misma escena desde diversos ángulos, para dar unidad y permitir al público tener distintos puntos de vista,primeros planos, flash-backs.

Contexto histórico e interpretación

David Wark Griffith lleva a la gran pantalla su versión de The Clansman, de Thomas Dixon libro publicado en 1905 abiertamente racista, defensor de la esclavitud y del Ku Klux  Klan Conjuntamente, Griffith incorporó a la historia elementos de otra obra de Dixon, de nombre  The Leopard's Spots.

Historia ambientada en 1860 en unos Estados Unidos golpeada por la guerra de secesión donde la segregación racial se extendió hasta mediados del siglo XX y las heridas de la guerra civil no habían cicatrizado.

El film encendió los ánimos de la sociedad, y tras algunas reproducciones se produjeron agresiones y palizas contra el auditorio de color. Aunque el Ku Klux Klan fue disuelto en 1869, este filme ayudo a que durante los años 20 esta secta renaciera con millones de miembros.

 El gabinete del Dr. Caligari  ROBERT  WIENE   1920

        
      

Aportes estéticos de "El Gabinete del dr. Caligari"

Con esta película se fundaron las bases de lo que sería la estética del expresionismo. En ella podemos hallar atmósferas siniestras y decorados que ayudan a identificar el estado de ánimo de los personajes.

Las sombras forman parte importante de este filme pues está lleno de claro-oscuros, personajes maquillados excesivamente casi de forma teatral, rasgo que tenía como intención reforzar su “expresión” .Por el otro lado, también se suma un vestuario bastante extravagante.

Una de las características en la forma de dirección de Wiene es el control sobre el raccord (continuidad de la acción y la creación de una estructura dramática compleja.

Recursos estéticos que suponen una evolución en el lenguaje cinematográfico, puesto que fue la transición entre un modelo de narración y filmación primitiva durante la época, propio de los inicios del cine.

     Contexto histórico e interpretación

Como signo a la brutal autoridad del gobierno alemán, y la obligación del servicio militar general “que enseña a matar y ser muerto” el personaje de Cesare, representa al hombre común que acata ordenes. Caligari por su parte representa al psiquiatra: la razón maneja a lo irracional, la autoridad delirante es simbólicamente derrocada.

Este film tenía como argumento la historia de un doctor que hipnotizaba a sus pacientes y los usaba para cometer todo tipo de crímenes. No quedando ajena a la etapa más violenta de la Historia de Europa, repleta de guerras, masacres y tiranías.

Al acabar la I Guerra Mundial el káiser Guillermo II abdica y huye a Holanda, quedando declarada la República Alemana. El sentimiento de derrota en la conciencia de la sociedad alemana era palpable, y lo cierto es que provocaba más sentimientos viscerales que el uso de la razón.

                                         Nosferatu  F.W. MURNAU   1922

   Aportes estéticos  Nosferatu

A diferencia de otros directores del expresionismo, F.W. Murnau le da importancia al encuadre: la escena, el decorado, los movimientos de los actores, todo se articula en función de un cuadro “pictórico”, convirtiendo las escenas en una “pintura en movimiento”. Descriptivas, panorámicas o planos fijos en los que el movimiento y el tiempo, son eternos.

Murnau también utiliza el realismo, exteriores naturales y una serie de recursos cinematográficos que se alejaran del teatro filmado, para servir de dominio a la historia dentro del film. Bosques, castillos de torres afiladas, caminos estrechos.

El uso de estos espacios en la película acrecienta la impresión de un ambiente taciturno y pavoroso, haciéndolo aun más real.

Una de las características que más se repiten dentro de este movimiento, es la interpretación de los personajes al exacerbar las emociones como el miedo y la ira, algunas veces de forma violenta y repentina.

Otro aspecto en el cual destaca Murnau es en la iluminación. Mientras otros directores expresionistas utilizaban una iluminación recargada especialmente en los rostros de los actores Murnau guardó este efecto sólo para utilizarla en el personaje del Conde Orlock (Nosferatu).

Contexto histórico e interpretación

La acción en Nosferatu transcurre en 1838 en la época de la restauración que se da inicio en Alemania después de la caída de Napoleón y que se prolonga hasta 1848.

El expresionismo alemán se interesó especialmente por lo sobrenatural, lo desconocido y lo siniestro para darle forma a la doctrina apocalíptica del expresionismo.

Este sistema expresaba el tema del fin del mundo, tal como vemos en Nosferatu, con las muertes que provoca peste que el vampiro transmite, resultado de la desesperanza alemana frente al futuro.

Una característica de este tipo de cine fue la necesidad de la dominación tiránica. El único remedio fiable en contra del caos anárquico imperante en la época.

El opresor para obtener poder comete actos de violencia y crímenes. En este caso en el filme vemos la imagen del monstruo (Nosferatu) un ser antinatural.

  el Acorazado Potemkin   Serguéi M. Eisenstein 1925

 Aportes estéticos de El Acorazado Potemkin

El acorazado Potemkin Serguéi M. Eisenstein estrenada en 1925 representa una contribución en términos de expresión visual. Perspectiva y profundidad. Aprovecha la repetición de elementos iguales, para situarlos de tal manera que tengamos desde el inicio un elemento en primer plano hasta una imagen general de un mismo elemento.

Los personajes y los elementos se mezclan de forma que desconciertan al espectador. Inspirado desde el expresionismo el uso del contraluz es otro aspecto característico del movimiento que influencio a Eisenstein para este film, creando un matiz de colores grises donde destacan, las situaciones, la acción y la expresión de los rostros en los personajes .además del uso de luz natural y débil de La escena crepuscular donde se aprecia las siluetas de los barcos en el mar.

Contexto histórico e interpretación

El film de Serguéi M. Eisenstein está basada en un capítulo histórico de la revolución de trabajadores de 1905, el motín del Acorazado Potemkin que se desarrollo en Odessa (Ucrania) del 12 al 17 de junio de ese año, una revolución que no consiguió acabar con el zarismo. Sin embargo el filme se entreno en 1925 cuando la revolución de Octubre de 1917 ya llevaba ocho años instalada.

                       Metrópolis FRITZ LANG 1927                                  

 Aportes estéticos en Metrópolis

Dentro del expresionismo alemán en Metrópolis prevalece la sobreactuación con una mímica teatral donde los personajes muestran sus emociones tanto como les sea permitido.

       

La iluminación también fue parte fundamental de este film, utilizando continuamente el claro oscuro, para acentuar los rasgos faciales de los personajes y así mostrar expresiones siniestras y malvadas. 

De la misma forma que en otras películas propias de este movimiento la arquitectura se instala de forma llamativa en el film, descubriendo la división de las clases sociales. Por una parte, el mundo subterráneo de la clase obrera, con formas sombrías y angustiosas, por otro lado aparece el segmento de la clase alta, donde se acentúa lo imponente y muestra pequeñas partes del estilo Art Decó.

Metrópolis también posee una escenografía majestuosa como lo fueron los edificios de la ciudad, y el Jardín Eterno.

Es posible observar en todo el film de Fritz Lang diversos estilos arquitectónicos, que van desde catedrales medievales a construcciones orientales que han servido de referencia hasta en la actualidad.

Contexto Histórico e interpretación

Metrópolis se desarrolla en el año 2026 en una ciudad futurista en crisis que, extrañamente sufría de los mismos embates del Berlín de los años veinte: dos clases sociales desiguales, la clase dominante, que dirige la economía y la clase obrera, sometida al poder de las máquinas. Su interpretación va desde lo más simple a lo más complejo empezando por la unión de la parte intelectual y espiritual, las cuales deben llegar a un equilibrio, entendimiento que se logra a través del amor al ser humano.

 La parte más compleja alcanza conceptos nacionalsocialistas que poco a poco fueron tomando forma en Alemania. No en vano el gobierno de Hitler vio en ella una vinculación con sus doctrinas.